La vie romanesque de Henri Matisse en 5 œuvres essentielles

Il existe des artistes dont l’œuvre ne cesse jamais de fasciner. Henri Matisse est de ceux-là. Alors que l’on fêtait le 31 décembre dernier le cent-cinquantième anniversaire de sa naissance, le peintre français fait l’objet pendant quatre mois d’une grande rétrospective au Centre Pompidou. Inaugurée hier, celle-ci se propose de revisiter “comme un roman” la passionnante histoire de ce grand maître de la couleur, dont l’œuvre immense et protéiforme a entraîné des tournants majeurs dans l’art occidental du début du XXe siècle. De ses débuts académiques sous l’égide du peintre William Bouguereau, puis dans l’atelier du symboliste Gustave Moreau dans les années 1890, à ses découpages-collages caractéristiques entamés dans les années 1940, de ses portraits et paysages vertigineux des années 1900, actant aux côtés du peintre André Derain l’avènement du fauvisme, à sa conception intégrale à partir de 1948 d’une chapelle à Vence, la carrière de l’artiste fut jalonnée de coups d’éclat, reflétant jusqu’à sa mort son amour brûlant pour la peinture, la musique et l’humain.  En 1942, Henri Matisse déclare : “L’importance d’un artiste se mesure à la quantité de nouveaux signes qu’il aura introduits dans le langage plastique”, un défi qu’il a su pendant 84 ans relever avec brio. Retour sur cinq de ses œuvres majeures permettant de comprendre le cheminement fécond de sa vie romanesque.

 

 

1. Autoportrait (1906) : l’avènement du fauvisme

“Un tableau fauve est un bloc lumineux formé par l’accord de plusieurs couleurs, formant un espace possible pour l’esprit.” Voilà comment Henri Matisse expliquait le fauvisme à sa propre fille, Marguerite Duthuit. C’est durant l’été 1905 que l’homme, alors peintre depuis une quinzaine d’années, donne naissance à ce nouveau mouvement – le premier du XXe siècle en Europe. En villégiature dans la commune de Collioure, à la frontière espagnole, le trentenaire est rejoint par l’artiste André Derain avec lequel il élabore au bord de la Méditerranée de nouveaux principes picturaux. Allant plus loin que les mouvements précédents, ceux-ci n’envisagent plus la peinture comme reproduction du réel mais comme expression intense de l’émotion, à l’aide de formes et traits simplifiés et de couleurs vives et pures qui les distinguent des impressionnistes. Quelques mois après le séjour des deux peintres dans le sud de la France, leurs nouvelles toiles exposées à Paris créent l’indignation. Le critique d’art Louis Vauxelles les décrit comme “Donatello au milieu des fauves”, baptisant ainsi sans le savoir ce nouveau mouvement. Peint l’année suivante, l’autoportrait de Matisse s’en fait l’illustration : les tons verts qui colorent la peau de l’artiste et les traits épais qui dessinent son visage sont bien loin du réalisme, mais illustrent toute la singularité de sa personne et les émotions qui l’habitent.

 

 

2. L’Intérieur aux aubergines (1911) : une nouvelle vision de l’espace

 

150 ans après sa naissance, l’œuvre de Henri Matisse a fait le tour du monde. Pour preuve, les quatre toiles qui composent l’une de ses séries les plus célèbres, Intérieurs symphoniques, sont aujourd’hui conservées aux quatre coins de la planète : alors que deux d’entre elles sont en Russie, à Moscou et Saint-Pétersbourg, L’Atelier rouge a pris place dans les collections du MoMA à New York, tandis que la dernière appartient au musée des Beaux-arts de Grenoble. Intitulée L’intérieur aux aubergines, cette dernière est sans doute l’une des toiles les plus importantes du peintre, illustrant en 1911 son approche singulière et novatrice de l’espace – en l’occurrence de son propre atelier de Collioure. Table, vase, cheminée, miroir ou encore bouquet de fleurs, chaque élément se trouve placé sur un même plan sans aucune profondeur. Des fleurs bleues maculent le sol jusqu’aux murs, des arabesques et plantes contrastées habillent nappe et paravent tandis qu’un paysage apparaît dans l’encadrure de la fenêtre : la perspective s’efface presque totalement au profit du pur décoratif, laissant désormais les cadres, les contours et les motifs régir l’ensemble. Le sujet central, les aubergines, semble alors se perdre dans ces méandres visuels, qui traduisent également la passion de Matisse pour les ornements des tapis orientaux ou encore des mosaïques byzantines.

 

 

3. La Blouse roumaine (1940) : la passion du tissu

Située dans le nord de la France, Cateau-Cambrésis est une petite ville sans histoires. Ou presque : c’est elle qui, en 1869, voit naître Henri Matisse, descendant d’une grande famille de tisserands. Imprégné par l’importante tradition textile de sa région et de ses ancêtres, le peintre offrira au tissu une attention toute particulière dans ses toiles mais également dans sa vie personnelle, jusqu’à en devenir un collectionneur passionné. Après une période d’une dizaine d’années caractérisée par son retour à une figuration plus sage et au petit format, l’artiste, désormais installé à Nice, retrouve dès les années 30 l’intensité des couleurs et des formes qui caractérisait sa peinture. En 1936, il entame une série de toiles choisissant pour sujet les blouses romaines, dont il revêt ses modèles. Le portrait de 1940 en est un aboutissement évident, caractérisé par ses aplats rouges, oranges et roses, et par ses lignes courbes épurées qui matérialisent tout le volume du vêtement avec une simplicité déconcertante. L’œuvre inspirera de nombreux artistes, du couturier Yves Saint Laurent qui rendra hommage à cette pièce dans sa collection automne-hiver 1981-1982 au cinéaste Éric Rohmer, qui la fera apparaître en 1983 sur l’affiche de son film Pauline à la plage.

 

 

4. Jérusalem céleste (1948) : les vitraux de Vence, “chef d’œuvre” autoproclamé

En 1947, Henri Matisse pose ses valises à Vence, une commune dans les terres à quelques kilomètres de Nice. Malgré ses 78 ans, l’artiste n’a rien perdu de sa créativité et de sa curiosité, et entame dès l’année suivante un projet inédit pour cette petite ville : la construction d’une chapelle dominicaine avec son amie, la religieuse sœur Jacques-Marie. Si d’extérieur, l’architecture du bâtiment se distingue par ses lignes pures et sans ornements, son blanc immaculé et ses tuiles bleu roi, c’est principalement dans ses vitraux que l’on retrouvera la virtuosité de l’artiste. Longues et étroites, ses fenêtres sont découpées par des formes géométriques jaunes, bleues et vertes, qui rappellent les feuilles des fougères, récurrentes dans les tableaux de Matisse depuis les années 40. La toile Jérusalem céleste, réalisée par l’artiste en 1948, dévoile une esquisse de ces paires de vitraux tout en verticalité. À l’époque, l’artiste préférait encore aux feuillages des assemblages d’aplats rectangulaires déclinés dans les couleurs primaires et leurs complémentaires, disposés à l’aide de sa technique du découpage-collage. En 1951, la chapelle est inaugurée sans l’artiste, trop affaibli pour se déplacer. Une absence qui ne l’empêchera pas de considérer ce travail comme un chef-d’œuvre de sa carrière.

 

 

5. La Tristesse du roi (1952) : l’aboutissement d’un œuvre immense

2,92 mètres de haut et 3,86 mètres de large, les dimensions de La Tristesse du roi en font l’un des plus grands formats réalisés par Henri Matisse. Trois figures y apparaissent : une silhouette assise, à gauche, une silhouette féminine dansant à droite, et au centre un joueur de guitare. Vêtu de noir, celui-ci pourrait bien être Matisse lui-même, quasi immobilisé par la vieillesse mais toujours fidèle à l’art. Animée par une jovialité et une musicalité propres à Matisse, l’œuvre est aussi un écho discret au mythe biblique de Salomé, jeune fille qui séduit par sa danse le roi Hérode lors d’un banquet jusqu’à lui demander la tête de saint Jean-Baptiste. Loin de cette finalité macabre, l’œuvre de Matisse se concentre sur la liesse de la fête, incarnée dans les feuilles jaunes et oranges qui parsèment la toile, tels des confettis. En 1946, l’artiste officialisait déjà sa technique singulière de découpage dans son “livre-fleur” Jazz, qui réunissait une trentaine de planches composées d’aplats peints à la gouache, assemblés par collage puis accompagnés de textes manuscrits. Réalisée en 1952 à l’aide de cette même technique mais sur une surface bien plus large, La Tristesse du roi synthétise ainsi tout ce qui fait la puissance plastique et symbolique de l’art du peintre, qui décrivait lui-même l’œuvre “comme égal[e] à tous [s]es meilleurs tableaux.” Deux ans plus tard, Henri Matisse s’éteint à Nice, laissant derrière lui un œuvre immense dont l’héritage plastique ne cessera d’inspirer ses successeurs.

 

 

“Matisse, comme un roman”, du 21 octobre 2020 au 22 février 2021 au Centre Pompidou, Paris 4e.