9 films d’horreur qui ont révolutionné le genre à (re)voir pour Halloween

par La rédaction.

Carrie, un chef-d’œuvre de l’horreur sur la rage adolescente féminine

Rien ne sera jamais plus terrifiant que la colère d’une adolescente humiliée… Dans Carrie (1976), le réalisateur américain Brian De Palma adapte le roman culte de Stephen King avec une précision chirurgicale. Une tragédie grecque sanguinolente qui révèle que l’horreur ne naît pas tant des monstres que de la cruauté sociale.

On retient d’abord cette mise en scène qui alterne cadrages virtuoses et ralentis hallucinés. Mais aussi l’épilogue emblématique qui annonce le cinéma d’horreur moderne : le traumatisme intime devient déclencheur du fantastique. Carrie a ouvert la voie à toute une lignée de films explorant la terreur des marges et l’explosion de la normalité.

Carrie (1976) de Brian De Palma, disponible en VOD.

Suspiria ou l’horreur comme ballet chromatique

Avec Suspiria (1977), le réalisateur italien Dario Argento – père de l’actrice Asia Argento – transforme le cinéma d’horreur en opéra baroque. Couleurs saturées, musique assourdissante du groupe de rock progressif italien Goblin, chorégraphie macabre… Tout concourt à créer un univers sensoriel.

Ce cauchemar cinématographique impose l’idée que l’horreur n’est pas seulement une affaire de peur mais plutôt d’expérience esthétique. Ici, chaque meurtre est conçu comme une séquence visuelle et sonore à part entière. Suspiria a marqué durablement le cinéma contemporain, inspirant, plus tard, le clip musical ou le film d’art et essai.

Suspiria (1977) de Dario Argento, disponible sur MUBI.

Massacre à la tronçonneuse, l’un des films d’horreur les plus cultes

Dès sa sortie, Massacre à la tronçonneuse (1974) de Tobe Hooper choque par sa radicalité. Pas de monstres surnaturels, mais une Amérique dévorée par ses propres pulsions et les réminiscences de la guerre du Vietnam. La peur est réaliste, crue, quasiment documentaire.

Tourné avec un budget dérisoire, le long-métrage de Tobe Hooper impose un style sale, nerveux, qui deviendra en fait la matrice du genre slasher. Quant à la figure de Leatherface, mélange de grotesque et de monstruosité, elle donne corps au malaise d’une société où la barbarie se cache en fait au creux des marges. Le film reste, encore à ce jour, un jalon incontournable du cinéma indépendant américain.

Massacre à la tronçonneuse (1974) de Tobe Hooper, disponible sur Canal+.

Shining ou l’horreur comme architecture mentale

Avec Shining (1980), Stanley Kubrick adapte un autre roman de Stephen King pour ériger un labyrinthe mental. Si la plupart des spectateurs préfèrent largement l’ouvrage, on retient surtout que l’hôtel Overlook devient ici un personnage à part entière dont les couloirs interminables enferment la folie de Jack Nicholson. The Washington Post décrivait d’ailleurs le film comme “une exploration glaciale de la psyché humaine”.

La terreur naît principalement du décor et de la répétition. Les travellings fluides, les visions d’horreur et la partition électronique de la compositrice américaine Wendy Carlos créent une atmosphère hallucinée. Shining impose l’idée que l’horreur peut être purement atmosphérique et psychologique, sans renoncer à des images d’une puissance viscérale.

Shining (1980) de Stanley Kubrick, disponible sur HBO Max.

Le Projet Blair Witch, à l’origine du found footage moderne

En 1999, trois étudiants perdus dans une forêt suffisent à redéfinir l’horreur. The Blair Witch Project (1999), de Daniel Myrick et Eduardo Sánchez, introduit le found footage (“images retrouvées”), dans le cinéma mainstream. La totalité d’un film prend en effet la forme d’un enregistrement vidéo faussement authentique tourné par les protagonistes de l’histoire. 

La campagne marketing virale autour du film – qui laissait croire à une histoire vraie —, a inauguré une nouvelle manière de faire circuler la peur. Sa grammaire (caméra qui tremble, hors-champ angoissant) influence encore une génération entière de cinéastes et de franchises comme Paranormal Activity. Ou l’art de faire peur sans jamais rien montrer.

Le Projet Blair Witch (1999) de Daniel Myrick et Eduardo Sánchez, disponible sur Filmo.

Psychose, un film incontournable signé Alfred Hitchcock

Avec Psychose (1960), Alfred Hitchcock brise toutes les règles. Tuer l’héroïne au bout de quarante minutes bouleverse les attentes du public. La scène emblématique de la douche, analysée par des générations de critiques, reste un moment absolument fondateur du cri d’effroi au cinéma. Un choc qui transformera la grammaire du suspense dans le septième art.

Dans un motel banal, un homme apparemment inoffensif, Norman Bates (incarné par Anthony Perkins), devient pourtant l’un des monstres modernes les plus célèbres du genre. Psychose n’a pas seulement terrorisé des générations entières, il a redéfini ce que le spectateur attend véritablement d’un récit d’horreur.

Psychose (1960) d’Alfred Hitchcock, disponible sur Canal+ et La Cinetek.

La Nuit des morts-vivants ou l’horreur comme manifeste politique

Avec La Nuit des morts-vivants (1968), George A. Romero invente la figure du zombie moderne et inscrit l’horreur dans l’actualité politique. À l’époque, The Times souligne que “le film évoque autant les tensions raciales que la guerre du Vietnam.”

Le choix d’un acteur noir, Duane Jones, dans le rôle principal donne aussi au récit une dimension inédite. Et la fin brutale, miroir des violences de l’époque, marque un tournant : l’horreur est devenue un commentaire social. Le film ouvre ainsi la voie à des décennies de cinéma politique… sous la forme d’un film de genre.

La charge politique du film se cristallise dans son final : le héros noir Ben, seul survivant, est abattu froidement par une milice blanche qui le confond avec un zombie. L’image fait directement écho aux violences raciales et aux lynchages de l’époque, inscrivant définitivement l’horreur dans la réalité sociale américaine.

La Nuit des morts-vivants (1968) de George A. Romero, disponible sur Amazon Prime Video.

Alien, le huitième passager, la science-fiction comme horreur viscérale

Avec Alien (1979), Ridley Scott fusionne science-fiction et horreur pure. Et le vaisseau spatial devient un huis clos étouffant où l’inconnu surgit des entrailles. Le xénomorphe, conçu par H.R. Giger, incarne une angoisse à la fois sexuelle et biologique. Avant même que le film ne soit un projet sérieux – et qu’il ne devienne l’une des plus grandes œuvres d’horreur de l’histoire – le scénariste Dan O’Bannon rêvait déjà de la scène du Chestburster, littéralement “l’exploseur de poitrine”. Un monstre dont le modus operandi terrifiant marquerait à coup sûr l’histoire du cinéma.

Avec le plasticien suisse Hans Ruedi Giger, il imagine un univers futuriste sombre, majestueux et démesuré. Leurs sources d’inspiration sont multiples : les écrits de Lovecraft, le triptyque de Francis Bacon Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion (1944) et la mythologie grecque, notamment les Erinyes (ou Furies), ces divinités infernales qui poursuivaient les criminels parfois pour le compte d’Hadès.

Le projet n’a pas été vendu comme une odyssée spatiale mais directement comme un film d’épouvante. En témoigne l’accroche de l’affiche : “Dans l’espace, personne ne vous entendra crier.”

Alien, le huitième passager (1979) de Ridley Scott, disponible sur Disney+.

L’Exorciste ou quand l’épouvante s’attaque au sacré

Avec L’Exorciste (1973), William Friedkin confronte le spectateur à l’impensable : la possession démoniaque d’une enfant. Cette fois-ci, l’horreur devient métaphysique. La violence des images – convulsions, blasphèmes, corps martyrisé – choque encore aujourd’hui. Mais l’essentiel réside plutôt dans la mise en scène clinique, où la froideur réaliste accentue la terreur. L’Exorciste a transformé le cinéma en champ de bataille spirituel, posant la question suivante : qu’est-ce qui dépasse la raison ?

L’Exorciste est aussi l’un des films les plus controversés de l’histoire du cinéma. À sa sortie, des spectateurs s’évanouissaient dans les salles, choqués par la crudité des images. Quant à l’affrontement entre science et foi, mis en scène avec une sécheresse quasi documentaire, il a redéfini les limites de ce que l’horreur pouvait montrer. Cinquante ans plus tard, l’empreinte du film reste intacte : chaque récit de possession lui doit encore sa grammaire visuelle et sonore.

L’Exorciste (1973) de William Friedkin, disponible en VOD.