Craig Green révolutionne-t-il la mode masculine ?

“The designer revolutionising the masculine silhouette” (CNN, April 2018), “the designer who’s changing how men get dressed” (The Guardian, June 2018) … Quick to embrace the slightest creative spark, the Anglo-Saxon press isn’t ready to stop heaping praise on its new darling: Craig Green, 32. His is a highly esteemed success coupled with a generous presence in stores: Dover Street Market, Barneys, SSENSE, Selfridges, Matches Fashion… But it was in Italy the designer truly confirmed his new empirical status. As guest of honour at Pitti Uomo, the Florentine high mass of men’s fashion, the British designer presented his spring-summer 2019 collection on June 14th there. 

 

 

His great quality: playing on two sides, casual and experiemental, conceptual and visual.
 

 

Effortlessly, Craig Green rolled out all the recipes of his success: a clever balance between experimentation and casual pieces with obvious commercial efficiency, skilfully reworked artistic references, and a conceptional edge embodied both visually and by his slightly metaphysical, slightly sociological discourse. One of the great qualities of the designer lies in his ability to play on two sides, casual and experimental, conceptual and visual.

 

In Florence, the tableau seemed so classic. By choosing the sublime Giardino Di Boboli as backdrop for his show, Craig Green played the bucolic romanticism card. The garden created in the 16th century for the Medici family is home to a collection of sculptures that form their own hypnotic parade. The other tableau was of course, the British designer’s retro-futurist creations, presented at night, between century-old trees. What effect did the clash of these two tableaux have? A strange, unreal beauty, a fascinating and somewhat frightening anachronism that could be home to characters from THX 1138 or Logan’s Run, two cult sci-fi films of the 70s, muscling in on the Renaissance.  

 

 

For fall-winter 2013 Craig Green had his models walk the runway covered with wooden sculptures. It reminds us of Kawamata. 
 

 

From the beginning, Craig Green has understood how to impose his language and create visual tableaux, literally as well as figuratively. For fall-winter 2013, he had his models walk the runway covered with portable wooden sculptures. These dismembered tables replaced the heads of each model and remind us of Japanese artist Tadashi Kawamata’s wooden huts. The Daily Mail couldn’t help but mock with the title: “No one wants to dress like that, what a plank.” But just like Rei Kawakubo, the queen of unconventional fashion, the show is only ever an experimental laboratory. 

 

Also like Rei Kawakubo, Craig Green’s clothing accumulates layers. The volumes are drawn like planes that pile up. A method he neglected this season in favour of more simplistic cuts. The designer is not known for bending to the constraints of men’s fashion that should be wearable and conservative even (it’s well known that men like nothing more than classic suits). Thankfully this is 2018 and men are more liberated these days.

 

Show after show, the Craig Green grammar has established itself: the use of ropes – very present in the first looks of this Florentine show – flag-veils, sculpture-structures worn by the models… and a certain (paradoxical) obsession with uniform. Because indeed it’s his garments inspired by the police, doctors and workmen – conventional wear par excellence – that are selling like hot cakes, along with parkas and kimono-style coats… In this era of “at the same time”, the young man knows he has to align radical with commercial, with one nourishing the other. The launch of his CORE line, a selection of the “bestsellers and pieces we like wearing to the studio every day”, is proof enough.  

 

“I’m very interested in the way the cubist artists represented different points of view of a same object on a two-dimensional flat plane (the canvas). As if that object was being seen from different perspectives at the same time.” Craig Green

 

In terms of artistic and conceptual references, the designer is just as impressive. At the end of his Florentine show, Craig Green willingly offered a deciphering exercise: “I’m very interested in the way the cubist artists represented different points of view of a same object on a two-dimensional flat plane (the canvas). As if that object was being seen from different perspectives at the same time. That’s the sort of the effect I was looking for with this collection. I was very inspired by one photo in particular, where we see a woman being followed by a man in a street. When the photo was taken, the man was so close to the woman that his presence forms a halo around her. So, is he a guardian angel or a threat? The perspective effect was disturbing.”

 

The designer recreated this effect in his show. Some of the models wore a structure that formed a sort of aureole around them – a wooden frame harnessed to the body. A spiritual aura? Or more prosaically perhaps, a crime scene, with the outline recalling the chalk lines drawn around a murdered body? “When you ask 10 witnesses to describe a scene, you will get 10 different stories. I tried to incorporate all these stories in one garment,” explains the designer. In the first half of the show, Craig Green was inspired by another vision, “The scene takes places at a festival. A man hugs his girlfriend in his arms so tightly, that from behind we get the impression his trousers have become one with her skirt.” In the show, colourful ruffles added to masculine outfits form “gills” that prolong them, like a halo or a skirt. On numerous looks, the “feminine” garment appears like a ghost on the “masculine” garment. Genders merge and melt together to create a genderless outfit. 

 

 

The “feminine” garment appears like a ghost on the “masculine” garment. Genders merge and melt together to create a genderless outfit.

 

 

The master of visual effects ended his show in glory with perfectly accomplished tie dye toga and tunics: the must-haves of the season. On a more general note, the colours were particularly vibrant. The designer admitted, “I recently watched a documentary that explained how associating two colours can create a unique feeling or emotion. Red on blue creates a vibration, a spectrum of light that prevents you from focusing on it.”

 

On the sociological and political side, we have to go back to his obsession with uniform, which has never been so fully assumed: “I was inspired by postmen’s uniforms and what cleaning ladies wear. For me, they're the real unrecognised heroes of contemporary times. No matter what your social background is, or who you are, with a uniform you become part of a community where everyone is equal. The uniform is not a symbol of oppression, but one of inclusion.” 

 

 

“The uniform is not a symbol of oppression, but one of inclusion.” Craig Green

 

 

Social pragmatism and metaphysic visions, Renaissance classicism and 1970s science fiction… Craig Green is a multiverse kind of guy, as if one event – the show – can contain several parallel universes and different temporalities. Its future is anterior: a future imagined in the 1970s with its doctors’ uniforms belonging to a spaceship, or the colourful tie dye garb of a Raëlian sect. Its future is also a contemporary one, after all didn't he design the costumes for Ridley Scott’s recent foray into outer space, “Alien: Covenant”? His own future lies before him and his vision of our reality has yet to reveal all its secrets. “Sometimes reality is more terrifying than fiction”, he reminds us. We can’t wait for him to scare us again soon. 

“Le designer qui révolutionne la silhouette masculine” (CNN, avril 2018), “le designer qui change la manière dont les hommes s’habillent” (The Guardian, juin 2018)… Prompte à s’embraser à la moindre étincelle créative, la presse anglo-saxonne n’en finit pas de tresser des lauriers à sa nouvelle coqueluche : Craig Green, 32 ans. Un succès d’estime qui a le bon goût de se doubler d’une belle présence en boutiques : Dover Street Market, Barneys, SSENSE, Selfridges, Matches Fashion… Mais c’est bien en Italie que le créateur devait confirmer son nouveau statut d’empereur. Invité d’honneur du Pitti Uomo, la grand-messe florentine de la mode masculine, le Britannique y présentait, jeudi 14 juin, sa collection printemps-été 2019. 

 

 

Sa grande qualité : jouer sur les deux tableaux, casual et expérimental, conceptuel et visuel.

 

 

Avec aisance, Craig Green y a déployé les recettes de son succès : un habile équilibre entre expérimentations et pièces casual à l’efficacité commerciale évidente, des références artistiques habilement retravaillées, et une pensée conceptuelle capable de s’incarner aussi bien visuellement que dans le discours (un peu métaphysique, légèrement sociologique). L’une des grandes qualités du designer est en effet de savoir jouer sur les deux tableaux, casual et expérimental, conceptuel et visuel.

À Florence, le tableau semblait ainsi des plus classiques. En choisissant le sublime Giardino Di Boboli comme arrière-plan de son show, le Britannique jouait la carte d’un romantisme bucolique. Le jardin créé au XVIe siècle pour les Medici offre par ailleurs une collection de sculptures qui forment à elles seules un défilé hypnotique. L’autre tableau, ce fut bien sûr celui des créations rétro-futuristes de Craig Green présentées de nuit, entre les arbres centenaires. Quel effet la confrontation de ces deux tableaux produit-elle ? Une étrange beauté, irréelle, un anachronisme aussi fascinant qu’effrayant qui verrait les personnages de “THX 1138” ou de “L’Âge de cristal”, deux films cultes de science-fiction des seventies, s’immiscer en pleine Renaissance.

 

 

Pour l’automne-hiver 2013, Craig Green fait défiler ses mannequins  recouverts de sculpture en bois. On pense à Kawamata. 

 

 

Dès ses débuts, Craig Green su imposer son langage et créé de véritables tableaux visuels, au sens propre comme au figuré. Pour l’automne-hiver 2013, il fait ainsi défiler ses mannequins  recouverts de sculpture en bois portables. Ces tableaux démembrés remplacent la tête même des modèles. On pense aux cabanes de l’artiste Tadashi Kawamata. Le Daily Mail, lui, préfère se moquer, et titre : “Personne ne peut s’habiller comme ça, espèce d’idiot.” Tout comme chez Rei Kawakubo, reine indétrônable d’une mode conceptuelle, le défilé se fait avant tout laboratoire d’expérimentations.

 

Tout comme chez Rei Kawakubo d’ailleurs, le vêtement chez Craig Green accumule les strates. Les volumes se dessinent alors par plans qui s’empilent. Une méthode quelque peu délaissée cette saison, au profit d’une plus grande simplicité des coupes. Le créateur ne se plie pas pour autant aux contraintes d’une mode masculine qui se devrait d’être portable, comprendre conservatrice (c’est bien connu, l’homme n’aimerait rien tant que les costumes classiques). Heureusement, nous sommes en 2018, l’homme se libère.

Défilé après défilé, la grammaire de Craig Green s’est imposée : l’usage de cordes – très présents dans les premiers looks de ce défilé florentin, les voiles-drapeaux, les structures-sculptures portées par les mannequins… et une certaine obsession (paradoxale) de l’uniforme. Car c’est bien avec ses vêtements inspirés des  tenues de policiers, de médecins ou d’employés, pièces conventionnelles par excellence, que le succès commercial pointe : parkas, manteaux façon kimonos… Dans cette nouvelle ère du “en même temps”, le jeune homme sait bien qu’il faut allier le radical au commercial, nourrissant l’un de l’autre. Pour preuve, le lancement de sa ligne CORE, une sélection de “bestsellers et de pièces que l’on aime porter tous les jours au studio”, expliquait le créateur lors de son lancement.

 

 

“Je suis très intéressé par la façon dont les artistes cubistes ont représenté sur un plan en deux dimensions (la toile) différents points de vue d’un même objet. Comme si cet objet était regardé en même temps depuis différentes perspectives.“ Craig Green

 

 

Côté références artistiques et conceptuelles, le designer impressionne tout autant. À l’issue de son défilé florentin, Craig Green se prêtait d’ailleurs volontiers à l’exercice de décryptage : “Je suis très intéressé par la façon dont les artistes cubistes ont représenté sur un plan en deux dimensions (la toile) différents points de vue d’un même objet. Comme si cet objet était regardé en même temps depuis différentes perspectives. Cet effet est un peu celui que j’ai recherché dans cette collection. J’ai été très inspiré par une photo notamment, où l’on pouvait voir une femme suivie par un homme dans la rue. Lorsque la photo a été prise, l’homme était si proche de la femme que sa présence formait comme un halo autour d’elle. Était-il alors un ange gardien ou une présence menaçante ?… L’effet de perspective était troublant.”

Cet effet, le designer l’a recréé sur le défilé. Certains mannequins portent ainsi une structure formant autour d’eux un halo – un châssis en bois harnaché au corps. Une aura spirituelle ? Ou, plus prosaïquement, une scène de crime : ce contour ne rappelle-t-il pas en effet celui, tracé à la craie autour du corps après un meurtre ? “Lorsque vous demandez à 10 témoins de décrire une scène, vous obtenez 10 récits différents. J’ai tenté d’incorporer tous ces récits en un vêtement”, insiste le créateur.  Dans la premiere moitié du défilé, Craig Green s’inspire d’une autre vision : “La scène se passe sur un festival. Un homme enlaçait sa compagne dans ses bras si bien que, de dos, on avait l’impression que son pantalon ne faisait qu’un avec la jupe de celle-ci.” Sur le show, des volants colorés adjoints aux tenues masculines forment ainsi des “branchies” qui prolongent le volant… à la manière d’un halo ou d’une jupe. Sur de nombreux looks, le vêtement “féminin” semble appraître comme un fantôme sur le vêtement “masculin”. Les genres se fondent et se confondent pour créer une tenue genderless.

 

 

Le vêtement “féminin” semble appraître comme un fantôme sur le vêtement “masculin”. Les genres se fondent et se confondent pour créer une tenue genderless.

 

 

Maître des effets visuels, Craig Green finit en beauté ce défilé avec des toges ou tuniques tie and dye parfaitement maîtrisées : le must de cette saison. Plus généralement, les couleurs sont particulièrement vibrantes. Le créateur acquiesce : “J’ai regardé récemment un documentaire qui expliquait comment l’association de deux couleurs pouvaient créer un sentiment ou une émotion singulière. Le rouge sur le bleu crée ainsi une vibration, un spectre lumineux qui vous empêche de vous concentrer dessus.”

Pour l’aspect sociologique et politique, il faudra revenir à son obsession de l’uniforme qui n’a jamais été autant assumée : “Je me suis inspiré des uniformes de postiers ou de femmes de ménage, entre autres. Ce sont pour moi de véritables héros contemporains méconnus. Surtout, l’uniforme est pour moi le vêtement le plus démocratique. Peu importe votre origine sociale, ou qui vous êtes, avec un uniforme, vous faites partie d’une communauté où tout le monde est sur un pied d’égalité. L’uniforme n’est pas le symbole d’une oppression, mais d’une inclusion.”

 

 

“L’uniforme n’est pas le symbole d’une oppression, mais d’une inclusion.” Craig Green

 

 

Pragmatisme social et visions métaphysiques, classicisme Renaissance et science-fiction des années 70… Craig Green semble adepte des multivers, comme si un lieu – le défilé – pouvait contenir plusieurs univers parallèles et différentes temporalités. Son futur se fait antérieur : un futur imaginé dans les années 70 avec ses uniformes de médecins de vaisseau spatial, ou ses teintes colorées tie and dye de communautés raëliennes. Son futur se fait tout autant contemporain : le jeune homme n’a-t-il pas réalisé des costumes d’“Alien: Covenant” de Ridley Scott ? Son futur semble, surtout, devant lui, tant sa vision de notre réalité est loin d’avoir dévoilé tous ses secrets. “Parfois la réalité est plus terrifiante que la fiction”, rappelle-t-il. On a hâte d’avoir peur.