Les plus belles pièces couture d’Occident et d’Asie dialoguent au K11 Museum

William Chang Suk Ping est une star dans son domaine. Avec plus de 20 distinctions aux Hong Kong Film Awards et aux Taiwan’s Golden Horse Awards, ainsi qu’une nomination aux Oscars en 2014, le chef décorateur hongkongais est internationalement reconnu pour ses travaux sur des films, comme Love Massacre (1980), The Grand Master (2014) ou In the Mood for Love (2000) du réalisateur et proche collaborateur Wong Kar-wai. Artiste caméléon, le décorateur-costumier-monteur William Chang Suk Ping se transforme en commissaire et chef décorateur le temps de quelques expositions. En 2015 au MET, puis cette année au K11 museum pour The Love of Couture : Artisanship in Fashion Beyond Time. Pour Numéro, il partage les histoires derrière quelques pièces sélectionnées, actuellement présentées à Hong Kong.

 

Numéro: Quelle est l’origine de cette robe ? Sa conception, sa date de création, ainsi que le contexte social et historique dans lequel elle a été créée.

William Chang Suk Ping: Les deux robes ci-dessus ont été sélectionnées car leur structure a vraiment attiré mon attention. L’utilisation d’un tissu souple afin de créer une structure audacieuse pour la jupe de costume, ou la superposition de couches de volants et de drapés pour la robe de jour, témoignent d’une certaine passion, d’un amour, et d’une compréhension de la matière en elle-même de la part des artisan-couturiers de l’époque pour confectionner de telles pièces. Ces deux modèles enveloppent le corps, tout en laissant transparaître la silhouette féminine et les courbes du corps. Tout comme la qipao dans une certaine mesure, le vêtement enveloppe complètement le corps, mais reste très sensuel car la silhouette est toujours « dévoilée ».

Deux robes contemporaines de couturiers d’Asie de l’Est :

Chacune des robes créées par les six couturiers est à la fois impressionnante, spéciale et unique, et propose une approche contemporaine de la mode / haute couture.

Ces deux designers ont également mis l’accent sur la structure, mais avec une approche contemporaine qui va même jusqu’à incorporer des concepts futuristes ou 3D dans les pièces.

En ce qui concerne les silhouettes de Ryunosuke Okazaki, elles s’adaptant parfaitement au corps tout en le dévoilant, contrairement aux deux robes du V&A mentionnées précédemment.

En examinant les pièces du V&A et les robes des six créateurs, nous pouvons voir que l’histoire, notre société, et donc notre culture, façonnent la manière dont ces pièces et ces coupes ont été pensées et ont évolué au fil du temps. Une chose est sûre cependant, les couturiers à l’origine de ces créations partagent une passion et un amour commun pour la créativité.

What is the origin of these two modern dresses from East Asian designers? The conception, the date and the social, artistic and historical context?

Both these designers put emphasis on structure as well, but we a modern approach and incorporated even futuristic or 3D concepts into their works For Ryunosuke Okazaki’s work, on contrary to the two mentioned V&A dresses, would reveal the body, yet still settling nicely on the body Looking back at the V&A pieces and the dresses from the six designers, we can see that history itself, our society and therefore our culture, would shape up how these clothing / couture would be shaped up and evolve over time. But one thing is coming is that the creator behind it would share the same passion and love for creativity.

 

Que faut-il savoir à propos des couturiers ?

Les six couturiers asiatiques retenus pour cette collaboration ont reçu des distinctions de la part d’institutions comptant parmi les plus prestigieuses au monde, tels que le prix LVMH, le Forbes 30 UNDER 30 ou le DAZED 100. Ils sont originaires du Japon, de la Corée du Sud, de Chine et de Hong Kong.

Chaque créateur porte en lui une vision unique de la mode et tous viennent d’horizons culturels différents. Nous les avons invités à créer de nouveaux modèles, s’inspirant de leur choix parmi les douze robes du V&A qui seront également exposées au K11 MUSEA à Hong Kong, afin de donner au visiteur l’occasion de repenser le lien entre passé, présent et futur dans la mode. Certains sont connus pour avoir adopté de nouvelles méthodes de fabrication, telles que l’impression 3D, la découpe au laser ou encore l’incorporation de vêtements techniques dans leurs créations.

 

Que vous évoque cette robe en termes d’émotions, de sentiments ou d’imagination ?

La créativité à l’état pur. Hier comme aujourd’hui, les créateurs et artisans partaient de zéro pour créer quelque chose, avec pour seules bases leur imagination, leur concept et leur expérience.

Lorsque les visiteurs déambuleront à travers les salles d’une exposition leur relatant l’histoire complète de la mise en œuvre, des pièces sélectionnées venant du V&A et des robes créées par les six créateurs, ils seront invités à se demander « comment cela a été créé » et « pourquoi est-ce que cela a été fabriqué de cette manière ». Ce qu’il faut comprendre avant tout est que la Passion est synonyme d’Amour ; un élément essentiel pour concevoir et créer.

À l’issue de cette exposition, nous comprenons que l’histoire, la culture, l’art, la musique et les rencontres ont un impact sur l’évolution de la mode.

 

Pourquoi avez-vous choisi de présenter cette robe dans cette exposition en particulier ? En quoi est-elle intéressante dans le contexte d’une exposition ?

L’inspiration m’est venue lorsque je suis tombé sur le poème Love After Love de Derek Walcott. Pour que l’exposition puisse présenter l’art de la couture aujourd’hui ou il y a 200 ans, il a fallu des siècles de passion dévouée à la conception et la création – beaucoup d’amour somme toute !

Dans cette exposition, vous pouvez observer les meubles que j’ai conçus. Certains prennent la forme de plantes et représentent la croissance, d’autre d’horloges et font écho au temps. Tous racontent comment la passion conduit à la créativité de manière intemporelle, comme un cycle.

La pièce maîtresse de l’exposition est une sculpture représentant une tête gigantesque. L’œuvre fusionne la tête d’un homme et celle d’une femme, et dévoile l’activité du cerveau d’une personne amoureuse à travers une image IRM. C’est également la métaphore d’une personne amoureuse du processus de conception et de création.

 

 

The Love of Couture: Artisanship in Fashion Beyond Time Exhibition au K11 MUSEA, du 8 décembre 2022 jusqu’au 29 janvier 2023. 6F, Kunsthalle, K11 Art & Cultural Centre, 18 Salisbury Road, Tsim Sha Tsui. www.k11experience.com

William Chang Suk Ping is a master in his field. With more than 20 honours at the Hong Kong Film Awards and Taiwan’s Golden Horse Awards and even an Academy Award nomination in 2014, the Hong Kong production designer is internationally renowned for his works on films, such as Love Massacre (1980), The Grand Master (2014) or In the Mood for Love (2000) with the movie director Wong Kar-wai, one of his closest collaborator. Thanks to his ability to switch roles — from production designer, costume designer or film editor —, William Chang Suk Ping has also specialized himself in styling for exhibitions, such as China : Through the Looking Glass organized at the MET in 2015 or, this year as a production designer for The Love of Couture : Artisanship in Fashion Beyond Time at the K11 museum. For Numéro, he shares the stories behind selected pieces shown in Hong Kong.

 

Numéro: What is the origin of the two dresses from the V&A Museum? The conception, the date and the social, artistic and historical context.

William Chang: The two above dresses were chosen as the structure really caught my eye – using the soft fabric to create a bold structure like the Skirt Suit, or layers and layers of ruffles and drapes with the Day Dress – the sartorial craftsmen must have had passion to build these pieces back then, and loved and understand the fabric very much indoor to create it. Both of these wrap up the body – body hugging, yet still shows the feminine silhouette, the curves of a body. In a way, like qipao – it fully wraps the body but still very sensual as the body figure is still “revealed”

 

 

What is the origin of these two modern dresses from East Asian designers? The conception, the date and the social, artistic and historical context?

Both these designers put emphasis on structure as well, but we a modern approach and incorporated even futuristic or 3D concepts into their works For Ryunosuke Okazaki’s work, on contrary to the two mentioned V&A dresses, would reveal the body, yet still settling nicely on the body Looking back at the V&A pieces and the dresses from the six designers, we can see that history itself, our society and therefore our culture, would shape up how these clothing / couture would be shaped up and evolve over time. But one thing is coming is that the creator behind it would share the same passion and love for creativity.

 

What should we know about the East Asian designers? 

The six Asian designers for the collaboration are being recognized by some of the world’s most established accolades such as the LVMH Prize, Forbes 30 UNDER 30 or DAZED 100 – they are from Japan, South Korea, China and Hong Kong. Each of them carries a unique sense of style and comes from different cultural backgrounds. We have invited them to create new looks (inspiration from their choice of the 12 V&A dresses that would also be on show in Hong Kong’s K11 MUSEA) that can give the audience a great opportunity to rethink the connection between the past, present and future of fashion. Some of them are known to have adapted new ways of making couture such as 3D printing, laser- cutting and incorporating performing sportswear into their concepts. 

 

What does the dress evoke to you in terms of feelings, imagination or emotions? 

Creativity – from the past to the present, the designer and the craftsmen would start from scratch based on their imagination, concept and experience to create something From there, when visitors enjoy the exhibition with the entire story telling of the setup, selected pieces from the V&A alongside with dresses from the six designers, visitors are encouraged to ask “how is this created” and “why is it built in such way”. But most importantly, to understand that Passion is Love, which is vital for designing and creating. From the exhibition, we understand that history, culture, art, music, occasions all has a hand in influencing the evolution of fashion 

 

Why did you choose to present the dress in this precise show? What makes it interesting in the context of the show? 

The inspiration started off when I came across the poem Love After Love by Derek Walcott. For the exhibition to showcase artisanship of couture, from the present or from 200 years ago, it demonstrated centuries of devoted passion in designing and creating – which is love! In the exhibition you see the furnishings that I have designed – some of them are plants, which represents growth; a clock that represents time – which all tells the story of how passion and drive creativity in a timeless manner, a cycle. There is a centre piece in the exhibition space, a giant head sculpture, that shows a male and female head tied together, showing a MRI brain scan of when one is in love, which is a metaphor of when one is loving the process of designing, it would be in this state. 

 

“The Love of Couture: Artisanship in Fashion Beyond Time” exhibition at the K11 MUSEA, from 8 December 2022 to 29 January 2023. 6F, Kunsthalle, K11 Art & Cultural Centre, 18 Salisbury Road, Tsim Sha Tsui. www.k11experience.com

L’exposition The Love of Couture : Artisanship in Fashion Beyond Tome présente jusqu’au 29 janvier à Hong Kong quelques joyaux des collections du prestigieux Victoria & Albert Museum de Londres, ainsi que des créations de six couturiers parmi les plus prometteurs d’Asie inspirées par les robes de l’institution britannique. Visite guidée aux côtés du célèbre costumier et set designer William Chang Suk Ping et de la commissaire du V&A Claire Allen-Johnstone.

 

Numéro : Vous avez sélectionné pour cet entretien deux robes contemporaines signées par des couturiers asiatiques. Quelles sont-elles ?

William Chang Suk Ping : Chacune des robes créées par les six couturiers est à la fois impressionnante, spéciale et unique, et propose une approche contemporaine de la mode haute couture. Ces deux designers ont bien sûr mis l’accent sur la structure, mais avec une approche contemporaine qui va même jusqu’à incorporer des concepts futuristes ou 3D dans les pièces. En ce qui concerne les silhouettes de Ryunosuke Okazaki, elles s’adaptent parfaitement au corps tout en le dévoilant. En examinant les pièces du V&A et les robes des six créateurs, nous pouvons voir que l’histoire, notre société, et donc notre culture, façonnent la manière dont ces pièces et ces coupes ont été pensées et ont évolué au fil du temps. Une chose est sûre cependant, les couturiers à l’origine de ces créations partagent une passion et un amour commun pour la créativité.

 

Qui sont ces six couturiers contemporains ?

Les six couturiers asiatiques retenus pour cette collaboration ont reçu des distinctions de la part d’institutions comptant parmi les plus prestigieuses au monde, tels que le prix LVMH, le Forbes 30 Under 30 ou le Dazed100. Ils sont originaires du Japon, de la Corée du Sud, de Chine et de Hong Kong. Chaque créateur porte en lui une vision unique de la mode et tous viennent d’horizons culturels différents. Nous les avons invités à créer de nouveaux modèles s’inspirant des douze robes du V&A qui seront également exposées au K11 Musea à Hong Kong, afin de donner au visiteur l’occasion de repenser le lien entre passé, présent et futur dans la mode. Certains sont connus pour avoir adopté de nouvelles méthodes de fabrication, telles que l’impression 3D, la découpe au laser ou encore l’incorporation de vêtements techniques dans leurs créations.

 

Que vous évoquent ces deux robes ?

La créativité à l’état pur. Hier comme aujourd’hui, les créateurs et artisans partaient de zéro pour créer quelque chose, avec pour seules bases leur imagination, leur concept et leur expérience. Lorsque les visiteurs déambuleront à travers les salles d’une exposition leur relatant l’histoire complète de la mise en œuvre des pièces sélectionnées venant du V&A et des robes créées par les six créateurs, ils seront invités à se demander « comment cela a-t-il été été créé ? » et « pourquoi est-ce que cela a été fabriqué de cette manière ? » Ce qu’il faut comprendre avant tout est que la Passion est synonyme d’Amour ; un élément essentiel pour concevoir et créer. À l’issue de cette exposition, nous comprenons que l’histoire, la culture, l’art, la musique et les rencontres ont un impact sur l’évolution de la mode.

 

Pourquoi avez-vous choisi de présenter ces robes au sein de cette exposition en particulier ? 

L’inspiration m’est venue lorsque je suis tombé sur le poème Love After Love de Derek Walcott. Pour que l’exposition puisse présenter l’art de la couture, aujourd’hui comme il y a 200 ans, il a fallu des siècles de passion dévouée à la conception et la création – beaucoup d’amour somme toute ! Dans cette exposition, vous pouvez observer les meubles que j’ai conçus. Certains prennent la forme de plantes et représentent la croissance, d’autre des horloges et font écho au temps. Tous racontent comment la passion conduit à la créativité de manière intemporelle, comme un cycle. La pièce maîtresse de l’exposition est une sculpture représentant une tête gigantesque. L’œuvre fusionne la tête d’un homme et celle d’une femme, et dévoile l’activité du cerveau d’une personne amoureuse à travers une image IRM. C’est également la métaphore d’une personne amoureuse du processus de conception et de création.

 

 

Vous avez également sélectionné pour cet entretien deux robes issues des collections du V&A. Pouvez-vous nous en dire plus ?

Les deux robes ci-dessus ont été sélectionnées car leur structure a vraiment attiré mon attention. L’utilisation d’un tissu souple afin de créer une structure audacieuse pour la jupe de costume, ou la superposition de couches de volants et de drapés pour la robe de jour, témoignent d’une certaine passion, d’un amour, et d’une compréhension de la matière en elle-même de la part des artisans-couturiers de l’époque pour confectionner de telles pièces. Ces deux modèles enveloppent le corps, tout en laissant transparaître la silhouette féminine et les courbes du corps. Tout comme la qipao [robe chinoise traditionnelle] dans une certaine mesure, le vêtement enveloppe complètement le corps, mais reste très sensuel car la silhouette est toujours « dévoilée ».

Vous présentez au K11 Musea une robe issue de vos collections au V&A. Quand a été créée cette robe de mariage ?

Claire Allen-Johnstone : Mme Catherine Rose, qui a fait don de cette robe au V&A dans les années 1940, a expliqué que le vêtement avait été porté, une fois seulement, à l’occasion d’un mariage à la campagne. On pourrait dater cette robe autour de 1840 et rattacher son origine au comté de Gloucestershire en Angleterre. Certains éléments comme les manches bouffantes aux poignets serrés sont caractéristiques de la mode féminine britannique en vogue à cette époque. À partir de cette date, les femmes britanniques issues de milieux aisés vont progressivement porter du blanc pour leur mariage. La reine Victoria participera à la popularisation cette nouvelle tendance lors de son mariage en 1840. Pour de nombreuses de femmes, l’option du blanc n’était pas la plus convenable en raison de la difficulté à entretenir cette couleur. À l’époque victorienne, les femmes avaient pour habitude de revêtir leur robe de mariée pour d’autres occasions. La robe ici présente est une exception. Cette dernière aurait été rangée dans une boîte en bois après le mariage et conservée dans la famille jusqu’à ce qu’elle soit donnée au V&A cent ans plus tard.

 

Que vous évoque cette robe ?

D’une part, la robe a été magnifiquement réalisée et évoque un mariage qui, espérons-le, fut un heureux événement. D’autre part, elle soulève des histoires difficiles. Le coton utilisé pour la confection de cette robe, comme pour beaucoup d’autres à cette époque, en est un parfait exemple. En Angleterre comme ailleurs, la demande en coton reposait alors sur la main-d’œuvre des esclaves aux États-Unis.

 

Pourquoi avez-vous choisi de présenter cette robe dans cette exposition en particulier ? 

Cette pièce exposée au K11 nous permet de remonter le temps de la mode féminine britannique et française jusqu’aux années 1830 et 1840. Il s’agit de la pièce la plus ancienne de la collection d’objets du V&A présentée dans l’exposition The Love of Couture: Artisanship in Fashion Beyond Time. Je trouve que le motif cachemire sur coton imprimé, inspiré des textiles importés tels que les châles du Kashmir, prend tout son sens dans le contexte de cette exposition. Il met en lumière le fait que, depuis des siècles, les créateurs puisent leur inspiration dans le monde entier. À cette époque, de tels imports étaient la résultante de logiques coloniales, ce qui inscrit cette robe dans une période difficile de l’histoire.

 

 

Vous avez choisi de nous parler d’une seconde robe issue elle aussi des collections du V&A. Quelle est-elle ?

Claire Allen-Johnstone : Créée une centaine d’années après la première, cette deuxième robe a été conçue par le couturier anglo-américain Charles James, qui travaillait en France à cette époque. C’est une pièce de haute couture, déclinée en matières et couleurs diverses et variées. Les clients pouvaient demander des retouches spécifiques. La robe exposée est principalement composée d’organza de soie jaune et ornée de fleurs roses et jaunes. Elle appartenait à l’artiste britannique Marit Guinness Aschan [née en 1919], l’une des ferventes supportrices de James.

 

Qui était ce couturier ?

Charles James a eu une carrière internationale importante, avec pour points d’ancrage New York, Londres et Paris. Il a développé une série de modèles qui lui étaient propres, allant des pièces avant-gardistes aux robes fluides coupées en biais si caractéristiques de la garde-robe féminine britannique et française des années 1930.

 

Que vous évoque cette robe ?

Selon moi, cette pièce a été conçue de manière à exprimer une certaine nostalgie et un certain romantisme. Elle comporte de nombreuses références historiques, telle la ceinture inspirée de la corseterie des années 1860, tandis que les petits bouquets rappellent les bals et les mariages.

 

Quel détail de cette robe vous interpelle le plus ?

Je me demande ce qui a amené la jeune Marit Guinness Aschan à opter pour cette palette de couleur en particulier, comprenant du jaune et des touches de rose. Elle travaillait souvent avec la couleur bleue dans ses peintures. Ce modèle est connu pour avoir été décliné en différentes teintes, dont le mauve et le blanc.

 

Pourquoi avez-vous choisi de présenter cette robe dans le contexte de cette exposition à Hong Kong ?

L’exposition The Love of Couture: Artisanship in Fashion Beyond Time parle essentiellement de connexions entre des espaces-temps, et cette pièce s’inscrit parfaitement dans ce thème. Elle n’est pas tout à fait caractéristique des tenues de soirée en vogue à la fin des années 1930 en Europe occidentale, époque où les robes moulantes faisaient fureur. La jupe ample de cette robe est un des aspects de son historicisme. L’ensemble de la pièce est grandement inspiré de la mode du XIXe siècle spécifique à cette aire géographique, qu’il s’agisse de la jupe cintrée ou de son nom en lui-même. Le titre La Sylphide est tiré d’un ballet français datant du XIXe siècle.

 

The Love of Couture: Artisanship in Fashion Beyond Time Exhibition au K11 Musea, du 8 décembre 2022 jusqu’au 29 janvier 2023. 6F, Kunsthalle, K11 Art & Cultural Centre, 18 Salisbury Road, Tsim Sha Tsui. www.k11experience.com