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Quelles sont les expositions mode à découvrir en 2026 ?
Christian Dior et Azzedine Alaïa à la Fondation Azzedine Alaïa, les illustrations de René Bouché chez Acne Papers Palais Royal, la mode africaine au musée du Quai Branly – Jacque Chirac, ou encore la mode du 18e siècle au Palais Galliera… Découvrez notre guide des expositions mode à ne pas manquer en 2026 entre grandes rétrospectives, dialogues artistiques et croisements culturels,
par Léa Zetlaoui.
Publié le 8 avril 2026. Modifié le 5 juin 2026.
Longtemps tenue à distance par les grandes institutions, la mode se retrouve au cœur de nombreuses expositions en 2026. Dans le sillage de l’année précédente, la programmation actuelle se distingue par son éclectisme, tant dans la diversité de ses thématiques que dans la pluralité de ses formats.
Entre dialogues du passé et du présent, croisements des cultures et des disciplines, et va-et-vient entre création et mémoire, ces expositions interrogent notre rapport au vêtement, à l’histoire et à l’image. Ainsi, elles célèbrent tout autant le savoir-faire des artisans que la vision des créateurs qui ont façonné cet art. Numéro dévoile ainsi son guide des expositions mode à découvrir en 2026 à Paris, mais pas seulement.
Les expositions mode à voir à Paris en 2026
Les secrets derrière les métiers d’art du 19M
Lieu incontournable du savoir-faire et de l’artisanat français, le 19M nous ouvre désormais ses portes afin de découvrir les secrets cachés derrière ses métiers d’art. Des rencontres et démonstrations d’artisans et écoles partenaires, pour nous plonger au cœur des ateliers de Maison Michel, Lesage ou encore Lemarié. En cette quatrième édition, Mains d’avenir nous propose ainsi de se glisser dans un premier temps dans la peau des artisans qui donnent vie à une collection, à travers trois jours d’ateliers participatifs initiant à la broderie, au travail du flou ou aux gestes de la fleur.
Cette narration se prolonge ensuite jusqu’au 19 juillet 2026, à travers une exposition permettant d’explorer librement les métiers de chapelier, bottier, couturier ou encore parurier. Un parcours immersif et sensoriel, qui met en lumière le travail des neuf métiers d’art des maisons du 19M. Mains d’avenir s’inscrit ainsi comme une initiative placée sous le signe de la transmission, maître-mot du 19M, un lieu pluridisciplinaire dédié à la préservation des métiers d’artisanat depuis sa fondation par la maison Chanel.
“Les journées des Métiers d’art”, à la galerie du 19M. Du 5 au 7 juin 2026. Billets disponibles ici.
L’exposition “Mains d’avenir”, à la galerie du 19M. Du 10 juin au 19 juillet 2026. Billets disponibles ici.
Pomellato et ses images d’archives au Palais de Tokyo
Depuis 1967, la maison joaillère Pomellato a façonné une esthétique d’une des plus grandes élégances, portée par un savoir-faire inégalé. Une histoire riche, documentée au travers d’une série de photographies bientôt dévoilées au Palais de Tokyo.
Baptisée “Pomellato, le Joaillier Révolutionnaire ”, cette exposition réunira des clichés d’Helmut Newton, Gian Paolo Barbieri ou encore Albert Watson. Autant de photographes qui ont su mettre en avant la vision moderne de la maison au travers de campagnes emblématiques. En effet, si Pomellato est reconnu pour son excellence hors pair, c’est également sa vision émancipée de la femme qui en a fait sa célébrité. Un aspect retranscrit à travers cette série de clichés audacieux. Rendez-vous donc derrière les murs bétonnés du Palais de Tokyo pour admirer ce parterre d’œuvres monochromatiques, d’une extrême finesse.
“Pomellato, le Joaillier Révolutionnaire” au Palais de Tokyo. Du 24 juin au 20 juillet 2026 au Palais de Tokyo. Billets disponibles ici.
“The Women of René Bouché” chez Acne Paper Palais Royal
Connu pour ses collaborations avec le magazine Vogue, René Bouché (1905-1963) incarne le Paris de la Belle Époque autant que les débuts de la presse mode. Au cours de sa carrière, il va ainsi capturer de son trait sensible, des figures féminines influentes du milieu du XXe siècle. Au-delà de leur grâce, ses dessins révèlent surtout des gestes, des attitudes et une personnalité. Pour la première fois depuis 1957, Acne Paper Palais Royal présente une sélection de 70 portraits issus des archives de l’illustrateur. En accès libre jusqu’au 7 juin 2026, ”The Women of René Bouché” met en lumière une vision intime du portrait, restituant l’atmosphère d’un monde social et culturel aujourd’hui disparu.
“The Women of René Bouché”. Jusu’au 7 juin 2026 chez Acne Paper Palais Royal. Entrée libre.
“Azzedine Alaïa et Christian Dior, deux maîtres de la couture”, à la Fondation Azzedine Alaïa
Peu le savent, mais lors de son arrivée à Paris, Azzedine Alaïa, fut engagé quelques jours chez Dior en 1956. L’exigence des ateliers de l’avenue Montaigne dont il fut témoin le marque pour toujours. Il devint ensuite un collectionneur discret et un fervent admirateur de Christian Dior, qui comme lui souhaitait être architecte.
Tandis que la Galerie Dior dévoile une centaine de pièces (parmi les 600 collectées), la Fondation Azzedine Alaïa expose une trentaine de modèles de Dior qui dialoguent avec des pièces d’Alaïa. Cette lecture inédite met en lumière non seulement l’influence du New Look sur le couturier franco-tunisien, mais aussi la manière dont un artiste peut en inspirer un autre sans jamais sombrer dans l’imitation.
“Azzedine Alaïa et Christian Dior, deux maîtres de la couture”. Jusqu’au 21 juin 2026 à la Fondation Azzedine Alaïa. Billets disponibles ici.
“Africa Fashion” au musée du Quai Branly – Jacques Chirac
Présentée au Victoria and Albert Museum en 2022, l’exposition “Africa Fashion” s’installe au musée du Quai Branly – Jacques Chirac jusqu’au début de l’été. Célébrant la puissance créative de la mode africaine, entre héritage, présent et futur, l’exposition explore la richesse des textiles, des archives et des créations contemporaines à travers plus de vingt pays.
Du wax au kenté ou au bogolan, le tissu se révèle comme un langage et un geste politique, notamment durant les indépendances africaines, période de renouveau culturel et d’affirmation identitaire. Elle rend hommage aux pionniers comme Shade Thomas-Fahm, Chris Seydou ou Alphadi, tout en mettant en avant une nouvelle génération de designers tels que Imane Ayissi et Thebe Magugu. Entre photographies, silhouettes, archives et installations, le parcours révèle une scène vibrante, plurielle et connectée, où la mode africaine s’impose comme un langage global, nourri de mémoire, de spiritualité et d’innovation.
“Africa Fashion”. Jusqu’au 12 juillet 2026 au musée du Quai Branly – Jacques Chirac. Billets disponibles ici.
“La mode du 18e siècle. Un héritage fantasmé” au Palais Galliera
Au Palais Galliera, “La Mode du 18e siècle. Un héritage fantasmé” explore moins une époque qu’un imaginaire en perpétuelle réinvention. À travers plus de soixante-dix silhouettes, de la cour de Louis XV aux podiums contemporains, l’exposition retrace la naissance d’un langage vestimentaire fondé sur l’exubérance, la parure et une nouvelle liberté du corps féminin.
Mais le propos dépasse l’histoire, il révèle comment à peine terminé, le 18e siècle devient un fantasme esthétique nourri de nostalgie, puis un réservoir de formes pour la couture moderne. De Marie-Antoinette – célébré au V&A Museum à Londres en 2025 – à Vivienne Westwood, corsets, paniers, rubans et volumes théâtraux se transforment en codes visuels universels. Un joyeux mélange de raffinement, de kitsch et de culture queer.
Entre rigueur patrimoniale et mise en scène immersive, le parcours met en lumière une mode qui continue d’alimenter une utopie des apparences, où passé et création dialoguent sans fin.
“La mode du 18e siècle. Un héritage fantasmé”. Jusqu’au 12 juillet 2026 au Palais Galliera. Billets disponibles ici.
“Tisser, broder, sublimer. Les savoir-faire de la mode” au Palais Galliera
Avec “Tisser, broder, sublimer. Les savoir-faire de la mode”, le Palais Galliera inaugure un cycle d’expositions dédié aux métiers et aux techniques qui façonnent, depuis toujours, l’histoire de la mode. Ainsi, ce premier volet met en lumière les savoir-faire de l’ornementation. Tissage, broderie, dentelle, impression ou encore fleurs artificielles déploie leur magnificence à travers le motif de la fleur, omniprésent dans le textile depuis plus de trois siècles.
Du gilet broché du XVIIIe siècle aux innovations contemporaines telles que l’impression laser, l’exposition exalte toute la richesse des matières, des volumes et des gestes. Réunissant plus de 350 pièces, l’exposition met en perspective la complexité des techniques et rend hommage aux artisans comme les créateurs textiles, plumassiers, paruriers floraux ou brodeurs. Ceux-là mêmes dont l’excellence a contribué à faire de Paris une capitale incontournable de la mode et du luxe.
« Tisser, broder, sublimer. Les savoir-faire de la mode”. Jusqu’au 18 octobre 2026 au Palais Galliera. Billets disponibles ici.
“Gianni Versace Rétrospective” au musée Maillol
À partir du 5 juin 2026, et pendant trois mois, le musée Maillol à Paris consacre une grande rétrospective à Gianni Versace, figure flamboyante et visionnaire de la mode italienne. Première exposition française d’envergure dédiée au créateur depuis 1986, “Gianni Versace Rétrospective” rassemble près de 450 pièces exceptionnelles. Looks iconiques, accessoires, croquis, photographies, vidéos et archives rares offrent un panorama complet de son héritage pop et glamour.
Dans une scénographie aux allures de podium, l’exposition retrace une carrière nourrie d’inspirations multiples. On retrouve notamment des références à l’antiquité grecque, au baroque et à l’art italien, mais aussi à la pop culture et au mouvement punk. L’installation met également en lumière les liens étroits entre Versace, les artistes, les grandes figures de la musique, du cinéma et les supermodels emblématiques des années 1990. Présentée à Paris à l’aube du 30ᵉ anniversaire de sa disparition, cette rétrospective célèbre l’héritage d’un créateur qui a profondément marqué le dialogue entre mode, art et culture contemporaine.
“Gianni Versace Rétrospective”. Du 5 juin au 6 septembre 2026 au musée Maillol. Billets disponibles ici.
Les expositions mode à voir en France
“Jean-Charles de Castelbajac. L’Imagination au pouvoir” aux Abattoirs de Toulouse
Réunissant près de 300 œuvres — vêtements, accessoires, collages, dessins, objets de design et installations — Les Abattoirs de Toulouse consacrent une rétrospective intitulée “Jean-Charles de Castelbajac. L’Imagination au pouvoir” célèbre un artiste indiscipliné qui n’a cessé de décloisonner la création contemporaine.
Upcycling, accumulation, hybridation et collaboration structurent un parcours foisonnant, ponctué d’installations conçues spécialement pour le lieu. Couleurs primaires, slogans, figures iconiques et dessins personnels composent un univers joyeux et engagé, où le vêtement devient une œuvre ou un étendard.
“Jean-Charles de Castelbajac. L’Imagination au pouvoir”. Jusqu’au 23 août 2026 aux Abattoirs de Toulouse. Billets disponibles ici.
“À la recherche des couleurs de l’enfance” au musée Christian Dior de Granville
Tandis que cette année 2026 marque les 80 ans de Dior, le musée Christian Dior de Granville présente l’exposition “À la recherche des couleurs de l’enfance”, invitant à découvrir les racines intimes de l’imaginaire du couturier. Installé dans la villa Les Rhumbs, demeure familiale dominant la mer, l’exposition retrace les jeunes années du couturier et révèle combien ses souvenirs d’enfance ont façonné l’esthétique et les codes de sa maison de couture.
Couleurs emblématiques, influences britanniques, art du costume, tenues de plage ou fascinantes robes de bal dialoguent ainsi au fil des salles. Au total, on retrouve plus de 250 pièces d’archives — robes, parfums, photographies et documents — qui illustrent ce berceau créatif, entre attachement profond à la nature, héritage maternel et esprit entrepreneurial transmis par son père.
“À la recherche des couleurs de l’enfance”. Jusqu’au 1er novembre 2026 au musée Christian Dior de Granville. Billets disponibles ici.
“Peter Knapp – Le Temps Courrèges” à la Fondation Maeght
Jusqu’au mois de novembre 2026, la Fondation Maeght (Saint-Paul-de-Vence) consacre une exposition exceptionnelle au photographe de mode Peter Knapp, à travers l’exposition “Peter Knapp – Le Temps Courrèges”. Cette carte blanche met ainsi en lumière son amitié et sa collaboration décisive avec André Courrèges, figure révolutionnaire de la mode des années 1960.
Au cœur du parcours, la mythique collection haute couture printemps-été 1965, qualifiée de “bombe Courrèges”, marque l’avènement d’un nouveau style, symbole de l’avant-garde des années 1960. Les célèbres photographies publiées dans ELLE, où les mannequins semblent flotter dans l’espace, dialoguent ainsi avec archives, tirages inédits et silhouettes prêtées par Courrèges.
“Peter Knapp – Le Temps Courrèges”. Du 14 mai au 1er novembre 2026, à la Fondation Maeght. Billets disponibles ici.
Les expositions mode à Londres, Anvers, New York, Milan et Corogne
“Paolo Roversi. Doubts” à la Fondation Marta Ortega Pérez
Photographe incontournable, Paolo Roversi a marqué l’histoire de la mode au fil de ses clichés éditoriaux publiés dans les plus grands magazines de mode – à l’image de Numéro. À la Fondation Marta Ortega Pérez, à Corogne (en Espagne), une large exposition réunit cet été des œuvres emblématiques de sa production, comme des images inédites. Conçu comme un voyage intime au cœur de son univers artistique, le parcours nous dévoile sa vision singulière, définie par une pratique de studio.
Entre les murs de son atelier, l’Italien façonne un petit “théâtre d’ombres” – pour reprendre ses mots –, où il met en scène la lumière, le flou et la pose… “Mon studio est une scène
vide qui attend d’être remplie, un temps encore à inventer où ni les jours, ni les saisons, ni les
heures n’existent.” explique-t-il en effet dans le communiqué de presse de l’exposition. L’occasion de (re)découvrir ses plus belles photos et son langage mode reconnaissable entre mille.
“Paolo Roversi. Doubts”. Du 20 juin à septembre 2026 à la Fondation Marta Ortega Pérez (MOP) à Coruña, Espagne.
“Schiaparelli : Fashion Becomes Art” au Victoria and Albert Museum à Londres
Après avoir enchanté Paris, “Schiaparelli : Fashion Becomes Art”, l’exposition consacrée à Elsa Schiaparelli (1890 et 1973) et la maison qu’elle a fondé à Paris en 1927 débarque à Londres. Cette rétrospective consacrée à la créatrice italienne met notamment en lumière un héritage aussi précieux qu’opulent, nourri par des liens étroits qu’elle entretenait avec les figures du surréalisme. Parmi ses proches, on retrouvait Salvador Dalí, Jean Cocteau et Man Ray.
Aujourd’hui encore, cette approche qui repousse les limite entre créations de mode et œuvres d’art se retrouvent au sein de collection de Daniel Rosberry, l’actuel directeur artistique. En témoigne l’exceptionnelle robe noire au décolleté orné de poumons, arborée par Bella Hadid à Cannes en 2021.
“Schiaparelli : Fashion Becomes Art”. Jusqu’au 8 novembre 2026 au Victoria & Albert Museum à Londres. Billets disponibles ici.
“The Antwerp Six” au MoMu Antwerp à Anvers
Avec l’exposition “The Antwerp Six”, le MoMu célèbre quarante ans d’un séisme esthétique qui a redéfini la mode contemporaine. Réunissant Ann Demeulemeester, Dries Van Noten, Walter Van Beirendonck, Dirk Bikkembergs, Marina Yee et Dirk Van Saene, l’exposition retracel’émergence de ces créateurs formés à l’Académie d’Anvers et propulsés sur la scène internationale en 1986.
Dans un contexte marqué par le punk londonien et l’avant-garde japonaise, leur approche radicale, mêlant expérimentation, indépendance et pragmatisme, rompt avec les codes établis de la mode parisienne. Archives, silhouettes et documents plongent le visiteur dans cette décennie décisive où s’invente une nouvelle grammaire stylistique.
Loin du mythe collectif, le parcours insiste sur la singularité de chaque trajectoire, révélant comment cette constellation informelle a façonné durablement l’identité de la mode belge. Une exposition immersive qui mesure l’impact d’un phénomène devenu, paradoxalement, une référence mondiale.
“The Antwerp Six”. Jusqu’au 17 janvier 2027 au MoMu – Musée de la Mode d’Anvers. Billets disponibles ici.
Guess présente « Au-delà de l’icône – Marilyn Monroe, un hommage du centenaire” au MUDEC de Milan
À l’occasion de la Milan Design Week et du centenaire de la naissance de Marilyn Monroe, Guess dévoile au MUDEC de Milan “Au-delà de l’icône – Marilyn Monroe, un hommage du centenaire”. Conçu comme un parcours immersif, l’exposition explore la construction du mythe Marilyn à travers la photographie, le cinéma et la mode. Trois regards majeurs — Bernard of Hollywood, Sam Shaw et Milton H. Greene — dévoilent tour à tour la star de cinéma, la femme derrière l’actrice et l’icône intemporelle.
Entre coulisses et imaginaire hollywoodien, cet hommage interroge l’origine des images qui façonnent encore aujourd’hui notre représentation de la féminité. Ce dialogue résonne naturellement avec l’ADN de Guess, dont Marilyn fut l’une des muses fondatrices, dès le tout premier jean “ Marilyn ”.
« Au-delà de l’icône – Marilyn Monroe, un hommage du centenaire”. Jusqu’au 24 juin 2026, au MUDEC à Milan. Entre libre. Info disponibles ici.
“The 90s” à la Tate Modern à Londres
Trente ans, c’est le temps qu’il nous fallait pour poser un regard neuf et analytique sur les années 90. Révolutionnaire, cette décennie l’a surtout été grâce à des créateurs comme Hussein Chalayan, Vivienne Westwood et Alexander McQueen, des photographes comme Juergen Teller et Nick Knight, ou des artistes comme Damien Hirst et Yinka Shonibare.
Ainsi l’exposition “The 90s”, présentée à la Tate Modern cet automne raconte une décennie charnière, portée par l’élan du mouvement “cool britannia”. Une époque qui va profondément bouleverser l’esthétique en vigueur au Royaume-Uni, avant d’influencer une grande partie du monde occidental.
“The 90s”. Du 8 octobre 2026 au 14 février 2027 à la Tate Modern à Londres. Informations ici.
Les expositions mode terminées
L’ode à la danse de Thibaut Grevet chez Dover Street Market Paris
Monochromes et presque surréalistes, les images du photographe français Thibaut Grevet sont exposées chez Dover Street Market, reflétant une collaboration de plusieurs années avec les équipes du New York City Ballet. Superpositions, fusions, tirages retravaillés, effets stroboscopiques, ces œuvres conçues à partir de techniques précises, sont nimbées d’une atmosphère indescriptible. Tandis que certaines sont parfaitement nettes, d’autres fragmentent le geste, dédoublent les silhouettes, comme une ode au mouvement dansé et aux corps qui l’écrivent. Enfin, l’exposition accompagne la sortie de “Ballet”, un ouvrage signé Thibaut Grevet, qui rassemble ces clichés, entre scène et studio.
“Ballet” de Thibaut Grevet chez Dover Street Market Paris.
